A través de los tiempos incontables artistas han destacado en el mundo de la pintura, pero, ahora te presentamos los 5 grandes pintores del siglo XX que han aportado a las civilizaciones y diversas culturas diferentes formas y maneras de ver el arte y que realizaron pinturas famosas que son parte de la historia del arte .
Pablo Ruiz Picasso
Pablo Ruiz Picasso fue un pintor y escultor español, creador junto con Georges Braque, pioneros del cubismo . Nace el 25 de octubre de 1881 en Málaga, en el sur de España, hijo del artista, José Ruiz y de María Picasso.
A los14 años, accede a la Academia de Bellas Artes de Barcelona, luego entró en la Academia de San Fernando de Madrid, pero, vuelve a Barcelona en 1900, y al frecuentar el café Els Quatre Gats, se reune con artistas e intelectuales del modernismo.
Más tarde, declara «Cuando era niño, mi madre me dijo: “Si te haces soldado, serás un general. Si te conviertes en monje, terminarás como Papa”. En lugar de eso, me convertí en pintor y acabé siendo Picasso»
Se residencia en París, comenzando su periodo azul porque en dos años, pinta con este color por la muerte de su amigo Carlos Casagemas. Tuvo influencia de artistas del Greco, Van Gogh y Gauguin en las obras de esta época. Su amor con la modelo Fernande Olivier, lo inspira hasta 1910 y supera lo oscuro de su vida, e inicia su periodo rosa.
Las señoritas de Aviñón (1907), que representa a cinco prostitutas desnudas, es la obra que culmina la fase de su carrera que se ha bautizado como protocubismo. Las señoritas de Aviñón es el arranque de Picasso y Braque en el cubismo, siendo Matisse quien bautizó el movimiento. El mecenazgo de Gertrude Stein fue un apoyo durante el cubismo temprano.
Este concepto artístico copia la naturaleza exactamente sobre el lienzo, y buscaba aplanar los volúmenes y fracturar los objetos con el fin de subrayar la bidimensionalidad del lienzo. Allí se rompe con la perspectiva espacial y con la clásica representación del desnudo femenino; con influencia del arte africano y el primitivismo ibérico.
Es también en 1907 cuando Picasso conoce a Georges Braque, el otro creador del cubismo, sin embargo, la obra tropezó con el estilo que Picasso estaba inventando, y nueve años más tarde. Hoy es una de las obras más valiosas que se conservan en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1925 incursiona en el surrealismo,con sus pinturas La danza y El beso con figuras de mujer agresivas en estos cuadros. En 1927, con los temas del minotauro y el artista y la modelo Marie-Thérèse Walter, aparecen durante estos años.
Durante la guerra civil española, bombardea la ciudad de Guernica (España) la aviación nazi y Picasso crea una gran pintura antibelicista: el Guernica, que se exhibe en la actualidad en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Picasso practica el arte de la cerámica y desde 1947 hasta 1950, exploró nuevos métodos en las litografías y en 1957 comienza a trabajar en sus 58 interpretaciones del cuadro de Las Meninas, de Velázquez. En 1961 se casa con Jacqueline Roque y muere en 1973 en Mougins, Francia, a la edad de 91 años.
Salvador Dalí
Salvador Dalí, (1904 /1989), gran impulsor de la producción surrealista durante mas de una década, desde niño demostró su talento para el dibujo y la pintura, iniciándose con retratos de l familia y los paisajes desde los diez años de edad. Fué en Cataluña donde pinta los primeros cuadros surrealistas: La miel es más dulce que la sangre y Aparato y mano.
Para el año de 1922 entra en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, pero, en 1926 lo expulsan por no permitir ser examinado porque ninguno de sus profesores era mas que él, modestia que no tenla, pero, en ese tiempo hace amistad en la Residencia de Estudiantes con Luis Buñuel y Federico García Lorca y hacen importantes proyectos artísticos.
En esa época realiza Muchacha en la ventana y el Retrato de Luis Buñuel, con el cual,aparte de su aporte pictórico y teórico, incursiona en el séptimo arte con Un Perro Andalùz y la Edad de Oro.
Tiene contacto con Joan Miró y los miembros del surrealismo,en París en 1929. Elabora la teoría de la “Paranoia-crítica”que sustituye la pasividad del automatismo por un componente activo no dirigido y en 1929 lanza el método de la Asociación delirante que en la pintura da lugar aimàgenes dobles que representan simultáneamente a dos realidades diferentes en la cual transmite su personalidad conflictiva, se interesa por el psicoanálisis de Freud, la teorìa del inconsciente como fuente poéticas.
Pinta la persistencia de la memoria, El espectro del sex-appeal y El gran masturbador, donde se reflejan sus miedos, es su autorretrato, con los rasgos de Dalí: la cara amarilla, una enorme nariz y el rostro alargado. Con el saltamontes que le aterra desde la infancia, con hormigas en el vientre que simbolizan la muerte. Un anzuelo como atadura a su familia y la cabeza de un león como deseo sexual. Una mujer se aproxima a unos genitales masturbandolo, como la forma más pura de relación sexual.
Gala, aparece en la pareja del fondo del cuadro que se abrazan. La figura aislada es la soledad y las pestañas largas simbolizan la esperanza de cumplir sus sueños.
En pectro del sEl esex-appeal demuestra sus fobias a la sexualidad en un paisaje del Cabo de Creus. Es una mujer sin cabeza, ni manos ni pies, con dos muletas que contemplar Dalí como un niño, que repugna el sexo misterioso.
La persistencia de la memoria, refleja su miedo al paso del tiempo. Tiene relojes doblados y derretidos. El único reloj no deformado está lleno de hormigas que simbolizan la muerte.
Los tiempos previos a la guerra civil fueron duros para Dalí. En Premonición de la guerra civil refleja el terror que se vivía en esos años.
Al iniciar la Segunda Guerra Mundial se va a Estados Unidos con Gala y en 1948, regresa a España, a Port Lligat. Vuelve al clasicismo. Él mismo se declara católico. Pinta obras religiosas tocando temas de la cristiandad. Madonna de Port Lligart, Leda atómica, El Cristo de San Juan de la Cruz y La última cena.
Hiroshima le conmocionó. El átomo se convirtió fue el elemento favorito de inspiración para sus pensamientos. Leda atómica representa la mitológica de Leda, mortal seducida por Zeus disfrazado de cisne. De esta relación salieron los gemelos Cástor y Pólux. Leda toma la forma de Gala sentada sobre un alto pedestal, con los pies apoyados en pequeños pedestales flotantes, mientras acaricia al cisne volador.
El Cristo de San Juan de la Cruz, en actitud barroca.Ofrece la crucifixión desde arriba. El cuadro se divide en dos zonas, el fuerte tenebrismo del cristo y el paisaje inferior con distinta iluminación.
Galatea en las esferas es la imagen de Gala formada por esferas casi en su totalidad. En el centro están distribuidas como átomos con punto de fuga en la boca.
En 1974 inaugura el Teatro-Museo Dalí en Figueres. Luego de morir Gala, Dalí irá deteriorándose y en 1989 muere y es enterrado en el Teatro.
Armando Reveròn,
El más importante de los pintores venezolanos, lo llaman el pintor de la luz y el maestro de La Guaira (estado Vargas, norte), lugar donde vivió las últimas décadas de su vida, nace en Caracas el 10 de mayo de 1889 y comparte sus primeras vivencias entre la capital (Caracas) y la ciudad de Valencia (norte), siendo su trabajo inspirado en la belleza del mar y en el desnudo femenino.
Estudió artes plásticas y múltiples técnicas en España y Francia, países donde tuvo la oportunidad de conocer el trabajo de diferentes pintores de gran reconocimiento como Salvador Dalí. Regresa a Caracas en 1915, formando parte del Circulo de las Bellas Artes.
Luego, en 1953, recibe el Premio Nacional de Pintura. Logrando exponer sus pinturas en el Ateneo de Caracas (1933) y en la Galería Katia Granoff en París, Francia. Son más de 100 las obras de este importante artista.
Muere en Caracas el 18 de septiembre de 1954, hace 64 años y sus restos descansan en el Panteòn Nacional.
He aquì porque se divide en varias èpocas de colores:
Época Azul
En 1916 empieza su primera etapa paisajista, predominando en sus trabajos un tonalidad azul y empieza su labor como profesor de pintura.
Época Blanca
Para 1921, se residencia en el litoral guaireño, en la zona de Macuto y empieza su trabajo como pintor en su segunda etapa denominada “Época Blanca”, ubicada entre 1924 y 1932. Aplica en sus cuadros paisajistas el deslumbramiento producido por la luz directa del sol en el paisaje, creando nuevos valores cromáticos y visiones de una atmósfera invadida por la claridad y con predominio del color blanco.
Época Sepia
En su castillete de Macuto, comienza su tercera etapa denominada “Sepia”, por los tonos marrones, constituyendo paisajes de Tierra y Mar, destacándose las marinas del playón.
Última época
Durante la década de los 40, pasa por una crisis depresiva que lo obliga a recluirse en un sanatorio. Posterior a su alta inicia una etapa catalogada como expresionista dominada por la utilización de creyones y tizas y la presentación de una fantasía teatral que rompe con los moldes realistas de la pintura venezolana.
En 1953, recibe el Premio Nacional de Pintura y trabaja para hacer una exposición en el Museo de Bellas Artes, pero antes de finalizar la escogencia de su obra, le sobreviene la muerte.
Armando Reveròn fue el pintor y artista plástico más importante del siglo XX, habiendo plasmado en sus obras la relación del color y la luz a través del contraste cromático inspiradas en el paisaje y el desnudo femenino.
Como homenaje a Armando Reveròn, muchas de sus obras pictóricas “viajan” en el Metro de Caracas y ademàs de que El parlamento venezolano (la Asamblea Nacional de Venezuela declaró obras de Reverón como Patrimonio Cultural de la nación.
Otros importantes pintores venezolanos son: Alirio Palacios, Carlos Cruz-Diez, Pedro León Zapata, Jacobo Borges …
Jackson Pollock
Pollock buscaba explorar el acto de pintar con lo que buscaba darle un nuevo significado al arte y a la representación. Para Pollock, el lienzo era la oportunidad para jugar.
Realizaba el expresionismo abstracto; una pintura con tècnicas diferentes, la narrativa tradicional ya no existía y buscaba la exploración propia no retratar el mundo. Pintadas relativamente tarde en la carrera de Jackson Pollock, estas pinturas transmiten la habilidad única que Pollock ya había logrado con la técnica de “goteo” sobre lienzo sin estirar tendido en el piso.
Sus pinturas fueron creadas con una técnica de goteo que nadie más había utilizado, en la que la pintura, literalmente se deja caer en el lienzo, sin brochas o herramientas de por medio.
Tanto el goteo del artista, las salpicaduras como el vertido de pintura sobre la superficie de la obra y la escala de la pintura en sí, revela claramente el aspecto altamente físico de la técnica de Pollock.
Pollock creía que su abandono de las herramientas de pintura tradicionales (prefería usar palos, cocinar bastardos o verter directamente desde la lata de pintura) y las pinturas que produjo reflejaban los ámbitos de la experiencia inconsciente, pero también respondían a la vida contemporánea. Como afirmó: “El pintor moderno no puede expresar esta era, el avión, la bomba atómica, la radio, en las antiguas formas del Renacimiento o de cualquier cultura pasada”.
En marcado contraste con las obras clásicas del artista de 1947–50, los colores eléctricos de Blue Poles de ninguna manera reflejan la paleta de la naturaleza como lo habían hecho las pinturas anteriores. En Blue Poles, la “figura” es, de manera bastante radical, la marca abstracta.
Blue Poles es para Pollock un ambicioso trabajo de transición en el que no solo el color, sino el manejo de la composición por parte del artista, marca un alejamiento consciente del trabajo anterior.
Pollock impulsó sus esfuerzos en la abstracción al presentar la presencia audaz de los ocho “polos” azules que se cruzan con el lienzo. Pollock usa las barras prominentes de Blue Poles para reintroducir la noción convencional de figura y fondo en su trabajo, pero sin hacer ninguna concesión a los conceptos tradicionales de perspectiva.
En 1945, Pollock y Krasner se mudaron de Nueva York a The Springs en East Hampton, Long Island. Inicialmente, Pollock estableció su estudio en una habitación de arriba antes de reubicarlo en el establo. Este movimiento hacia los Hamptons fue para anunciar un período de relativa estabilidad y gran creatividad en la vida de Pollock.
Mientras continuaba produciendo pinturas monumentales como los polos azules a principios de la década de 1950, Pollock se sintió cada vez más abatido por su trabajo y, en 1956, el año de su muerte, no había pintado durante más de doce meses.
Fernando Botero
Nace en Antioquia, Colombia, sus pinturas figurativas están llenas de personajes voluptuosos, obesos o de curvas y rostros rellenos, excèntricos, exhibicionistas que se balancean en trapecios, hacen trucos y exhiben sus excentricidades entre ingenuo, gracioso e infantil, siendo en la actualidad famoso tambièn por sus esculturas, recorriendo el planeta para dar a conocer su arte muy cotizado.
Sus obras, ahora sido expuestas en las ciudades más grandes del mundo, se concentran sobre el arte del retrato en situación así como a la exageración de las formas de los objetos y personas a quienes pinta.
Estas pinturas están inspiradas por el arte colonial precolombino y español y las pinturas murales políticas del artista mexicano Diego Rivera. Él también se inspira de obras producidas por Francisco de Goya y Diego Velázquez.
A principios de los años 1950, Botero había comenzado a estudiar la pintura en Madrid, donde vivía copiando otras pinturas expuestas de Museo de Prado que les vendía luego a los turistas.
